• 10 очаровательных моделей в знаменитом искусстве
• натурщицей для картины "Поцелуй" была Адели Блох-Бауэр
• натурщица
• Искусство натурщица

натурщица натурщица 10 очаровательных моделей в знаменитом искусстве Я должен начать с того, что я никогда не изучал искусство и мало знал об этом. Я не знаю, что делает хорошую картину великолепной, или большую картину шедевром, но я знаю, что делает его известным. Это будет любая картина, которую признал бы такой парень, как я. Этот список не о цветах, глубине резкости, символике, интерпретации или о том, почему художник решил рисовать на бобрах поверх холста. В этом списке рассматриваются личные жизни людей, которые позиционируются как предметы или модели в 10 хорошо известных картинах - предмет, который, как я чувствую, никогда не обсуждается достаточно. Прошу прокомментировать, если кто-то чувствует, что собранная вами информация не совсем точна, или если у вас есть другие интересные факты по этим темам и моделям. 10 американская готика американская готикаХудожник: Грант Вуд 1891 -1942 Год окраски: 1930Грант Вуд написал американскую готику, когда Соединенные Штаты вступали в Великую депрессию. Вуд искал модели, которые бы захватили суть трудолюбивой Средней Америки. Художник решил использовать семейного дантиста доктора Б.Х. МакКиби (1867-1950) для модели для пожилого человека и его сестры Нан Вуда (1899-1990) для молодой женщины. Эти два, неохотно поставленные для картины после Вуда, заверили их, что их не узнают. Модели никогда не стояли перед домом и сидели отдельно для картины. Картина стала одним из самых известных изображений в мире и одним из самых пародийных. Нэн вышла замуж за инвестора по недвижимости и провела остаток своей жизни в качестве историка для работы своего брата. Доктор МакКиби сохранил практику, которую он установил в 1901 году в Сидар-Рапидс, штат Айова, почти до самой смерти. Вы можете видеть доктораздесь .Интересный факт: есть какая-то дискуссия о том, должна ли картина изображать мужа и жену. Многие эксперты считают, что Вуд нарисовал их как пара, изначально. Также говорят, что Нэн Вуд смутился, когда его изображали женой кого-то в два раза старше ее и начали рассказывать людям, что картина принадлежит человеку и его дочери. В письме, написанном Грантом Вудом в 1941 году, он, похоже, подтверждает, что эта женщина - «взрослая дочь» этого человека. Вы можете прочитать фактическое письмо здесь .9 пинка Томас Лоуренс Пинки1Исполнитель: Thomas Lawrence 1769 -1830 Год окраски: 1794Пинки - портрет Сары Барретт Моултон, которому было около одиннадцати лет, когда она была написана. Сара была дочерью богатого ямайского владельца плантации по имени Чарльз Барретт Моултон. Она родилась и выросла на Ямайке и поехала в Англию, чтобы продолжить свое образование. В то время как в Англии ее бабушка поручила Томасу Лоуренсу нарисовать знаменитый портрет. К сожалению, Сара умерла 23 апреля 1795 года, всего через год после того, как портрет был завершен, из-за коклюша, который, скорее всего, скончался от одного из ее братьев. Ее брат Эдвард, который позже владел портретом, сменил свою фамилию на Моултона-Барретта и стал отцом одной из самых выдающихся поэтов эпохи Виктории Элизабет Барретт Браунинг, сделав тетю Сары Элизабет.Интересный факт: печатные издания Pinkie и The Blue Boy часто продаются или отображаются вместе, как будто они каким-то образом связаны или нарисованы одним и тем же художником. На самом деле они работают разными художниками и расписываются на четверть века друг от друга. Обе работы в настоящее время являются собственностью The Huntington в Сан-Марино, Калифорния, где они висят друг от друга в одной комнате. 8 Мать Уистлера Whistlers-МатьИсполнитель: James McNeill Whistler 1834 -1903 Год выпуска: 1871Большинство считали бы мать Уистлера строго всем американским знаковым символом. Однако многие не знают, что она была фактически написана и умерла за пределами США. Анна Макнейл Уистлер родилась в 1884 году в Северной Каролине. В 1831 году она вышла замуж за вдовы Джорджа Вашингтона Уистлера и унаследовала 3 пасынков. Анна родила двух сыновей: Джеймса и Уильяма. У нее также было двое других сыновей, которые умерли в молодом возрасте. В 1842 году семья переехала в Россию, когда ее муж был нанят инженером железной дороги. После того, как ее муж умер от холеры в 1849 году, она вернулась в США, чтобы жить в Коннектикуте. Во время Гражданской войны Анна пересекла линии, чтобы быть с Уильямом, который был хирургом в Конфедеративной армии. Затем она отправилась в Лондон, где Джеймс переехал из Уэст-Пойнта. Анна поощрила его живопись и согласилась позировать для своего сына.Интересный факт: муж Анны, Джордж («Отец Уистлера»), на самом деле был очень выдающимся инженером-железнодорожником. Каменные арки железнодорожных мостов, которые он построил в 1841 году, все еще находятся в сфере грузовых и пассажирских перевозок в западных штатах Массачусетс. Он также изобрел систему связи между инженером локомотива и командой поезда, известную как «Труба Уистлера». В России он работал консультантом по строительству первой крупной железной дороги России - Московско-Санкт-Петербургской железной дороги. Ему также приписывают выбор пятифутовой железнодорожной колеи, которая все еще используется в России и соседних странах. За свои усилия он был награжден орденом Святой Анны от царя Николая.7 Мир Кристины Wyethachristina'sworldХудожник: Эндрю Уайет (1917- 2009) Год окраски: 1948Эндрю Уайет вдохновил эту картину на свой летний дом в Кушинге, штат Мэн, когда он смотрел в окно и увидел женщину, ползающую по полю. Имя женщины - Кристина Олсон (1893-1969). У Кристины было дегенеративное мышечное расстройство (иногда называемое полиомиелитом), которое отняло у нее способность ходить. Уайет встретил Олсона и ее брата Альваро в 1939 году, когда их познакомила женщина по имени Бетси. Бетси позже станет женой художника, а также летним жителем Кушинга. Есть две модели, которые позируют для женщины в этой картине. Тонкие ноги, руки и розовое платье фигуры принадлежат Кристине Олсон, которая в то время находилась в середине 50-х. Голова и туловище принадлежат жене Уайета Бетси, которая была в ее середине 20-х в то время. Кристина Олсон жила в своем доме всю свою жизнь, и соседи говорят, что она понятия не имела, что она или ее дом стали знаменитыми. В 2000 году Эндрю и Бетси Виет отпраздновали 60-ю годовщину свадьбы.Интересный факт: дружба, сложившаяся между художником и Олсоном, и Уайту даже позволили использовать комнату наверху как студию. Дом Олсона был помещен в Национальный реестр исторических мест в 1995 году. Вы можете увидеть фотографию Дома Олсона, как сегодня появляется здесь .6 Le déjeuner sur l'herbe Dejeuner Sur L'herbe, Эдуард МанеХудожник: Édouard Manet 1832-1883 Год окраски : 1862/63Мане очень сильно поспорил с французской публикой, когда эта картина появилась в 1863 году. На самом деле есть два человека, которые смоделировали для обнаженной женщины. Мане использовал свою любимую модель, Викторию Меурент (1844-1927), для лица женщины и его будущей жены Сюзанны Линьхофф (1830-1906) для тела женщины. Сюзанна Лиенхофф имела десятилетние отношения с Манетом, прежде чем они, наконец, вышли замуж в 1863 году. Они встретились, когда Сюзанн, который был музыкантом, был нанят отцом Мане, чтобы дать Эдуарду и его брату, Юджину, уроки игры на фортепиано. Во время своих десятилетних отношений Сюзанна родила сына, Леона Коэллы. И Мане, и его отец были предложены в качестве естественного отца мальчика. Леон был представлен другим людям как младший брат Сюзанны. Модель лица, Меурент, также была художницей и имела множество экспонатов в престижном парижском салоне.Интересный факт: картина Виктории Меурент, названная Le Jour des Rameaux или Вербное воскресенье, была восстановлена ​​в 2004 году и является единственным сохранившимся примером ее художественной работы. Вы можете увидеть картину здесь . 5 Плачущая женщина 173Художник: Пабло Пикассо 1881 -1973 Год написания: 1937Если вы знакомы с работой Пикассо, вы узнаете, что модель, используемая для этой картины, - Дора Маар (1909-1997). Маар был французским фотографом, поэтом и художником. Она была также любовницей Пикассо с 1936 по 1944 год. Они были представлены, когда ей было 29 лет, и Пикассо 54. В ходе своих отношений Пикассо сказал об этом Маар: «Для меня она плачет. В течение многих лет я рисовал ее в замученных формах, а не через садизм, а не с удовольствием; просто повинуясь видению, которое заставило меня на меня. Это была глубокая реальность, а не поверхностная ».« Дора для меня всегда была плачущей женщиной ... И это важно, потому что женщины страдают машинами ». Маар был независимым художником, но в конце концов она пережила их отношения после того, как обнаружила, что не может иметь детей. Пикассо также упомянул Дору как свою «частную музу». Она провела последние годы жизни в одиночестве, в доме под Парижем, который Пикассо ей дал.Интересный факт: в 2006 году еще одна из портретов Пикассо («Дора Маар с кошкой») была продана с аукциона по цене закрытия 95 216 000 долларов, что сделало ее второй по цене самой дорогой в мире картиной, когда-либо проданной на аукционе. Вы можете увидеть большинство картин и эскизов Доры Марр Пикассо здесь .4 Портрет Адели Блох-Бауэр I Портрет Адель Блох Бауэр 01Художник: Густав Климт 1862 -1918 Год рождения: 1907Адель Блох-Бауэр родилась в 1881 году в Вене, в богатой еврейской банковской семье. В 1899 году, в возрасте 17 лет, она вышла замуж за сахарного магната и банкира Фердинанда Блоха Бауэра. Фердинанд был крупным покровителем Густава Климта и поручил ему нарисовать портрет Адель. В 1907 году, спустя три года и сотни эскизов, портрет Адели был завершен. В 1912 году Климт продолжил рисовать портрет Адели Блох-Бауэра II. Адель была единственной моделью, которую не раз рисовал Климт. Блох-Бауэрс хорошо зарекомендовал себя в окружении Климта, в который также вошли Зигмунд Фрейд и композитор Арнольд Шёнберг. Ученые полагают, что у Климта и Аделя есть дело. Блох-Бауэрс купил 6 работ Климта, включая оба портрета Адель и четыре пейзажа настроения Климта. 24 января 1925 года, Адель внезапно умерла от менингита, в Вене. По ее желанию она попросила своего мужа пожертвовать картины Климта Австрийской галерее после его смерти. В 1938 году, когда нацисты вторглись в Австрию, вдовой мужа Адель пришлось бежать за границу из-за своих еврейских корней и был вынужден отказаться от всего своего имущества. Его имущество было конфисковано, в том числе картины Климта.Интересный факт: в завещании 1945 года Фердинандом Блохом-Бауэром он назначил своего племянника и племянниц, как наследников своего имения. После длительной судебной битвы между Соединенными Штатами и Австрией в 2006 году было окончательно установлено, что Мария Альтманн (племянница Блоха-Бауэра, живущая в Калифорнии) была законным владельцем картин. Позднее в том же году портрет Adele Bloch-Bauer I был продан за 135 миллионов долларов, что сделало его одним из самых дорогих произведений искусства, когда-либо переходивших на руки.3 Обед лодочной вечеринки The20Luncheon20Of20The20Boating20Party20IiХудожник: Пьер-Огюст Ренуар 1841-1919 Год рождения: 1881/82Ренуар часто включал в свои работы нескольких своих друзей, и это не исключение. Входит в число его друзей на этой картине, его будущая жена Алине Чариго (одна ворковая с собакой). Другим другом на картине является знаменитый французский художник Густав Кайлеботт, который сидит в правом нижнем углу. Ренуар и Алине были женаты в 1890 году, спустя пять лет после рождения их первого сына Пьера. Алине стала любовью к жизни Ренуара, и она увековечена во многих других своих картинах. Впоследствии у них было еще двое детей, Жан и Клод. Хотя Алин был 23 лет моложе своего мужа, она умерла за четыре года до Ренуара, в 1915 году Вы можете увидеть фотографию пары позже в жизни здесь .Интересный факт: двое из их сыновей, Пьер и Джин, стали известными актерами и режиссерами. Жан был номинирован на премию «Оскар» за режиссуру фильма «Юзер». В 1975 году он получил пожизненную премию Оскар за его вклад в киноиндустрию.2 Портрет доктора Гаше Портрет доктора ГашеХудожник: Винсент ван Гог 1853 -1890 Год окраски : 1890Д-р Paul Gachet (1828-1909) был большим сторонником художников и импрессионистского движения, отчасти потому, что он сам был художником-любителем. Доктор также был знаком с известными художниками, такими как Писсарро, Ренуар, Мане и Сезанн, и прославился одной из крупнейших импрессионистских коллекций в Европе. Доктор Гашет женился на Бланш Касте в 1868 году и имел двоих детей, Маргариту и Павла. В мае 1890 года, после того как ван Гог был освобожден из психиатрической больницы, он остался нуждающимся в медицинском надзоре. Брат Ван Гога, Тео, думал, что доктор Гаше был хорошим выбором для лечения ван Гога из-за его любви к искусству. В то время, когда Ван Гог провел с ним, он сказал об этом врачу «хуже, чем я, я думаю, или я скажу так много». Никто не знает, что означал художник под этими словами, но некоторые считают, что Ван Гог знал, что Доктор не подходит для лечения. 27 июля 1890 года ван Гог вошел в поле для рисования и застрелился в сундук с помощью револьвера. Доктор Гаше был вызван, но его рана была неработоспособна, и Ван Гог умер двумя днями позже. Следует отметить, что ни одна семья Ван Гога не давала Гаше ответственность за смерть своих пациентов.Интересный факт: доктор Гаше практиковал свое искусство под именем Paul van Ryssel. Его самая известная работа - эскиз Ван Гога на смертном одре, и его можно увидеть здесь . Врач-сын, Пол Луис, стал торговцем искусством после наследования сотен произведений искусства от своего отца. Как и его отец, он также был художником-любителем и рисовал под именем Луи ван Райселя. Он продолжал семейную традицию, а также набросал Ван Гога на смертном одре. Вы можете увидеть его набросок здесь .1 Мона Лиза Мона ЛизаХудожник: Леонардо да Винчи 1452 - 1519 Год окраски: c-1503-1506Я знаю, что это очевидный выбор для номера 1, но как же она не может быть? Несмотря на то, что настоящее имя и личность Моны Лизы было впервые связано около 1550 года, только пару лет назад это было подтверждено на 100%. Ее настоящее имя - Лиза дель Джокондоа, член семьи Герардини. Она родилась во Флоренции 15 июня 1479 года и была самой старой из семи детей. В возрасте 15 лет она вышла замуж за Франческо дель Джокондо, торговца одеждой и шелком. После некоторого успеха в бизнесе в 1503 году ее муж смог купить дом по соседству с его старым домом в Виа делла Стуфа. Считается, что именно тогда ее портрет был заказан ее мужем, возможно, чтобы отпраздновать их новый дом или, возможно, отметить вторую беременность Лизы. Во время картины Лизы, Рукописные заметки Да Винчи ссылаются на жизнерадостную личность Лизы и ее смешной смех. У Лизы и Франческо было пять детей: Пьеро, Камилла, Андреа, Джокондо и Мариетта. Лиза также подняла Бартоломео, сына Франческо и его первой жены, которая умерла всего через год после его рождения. Дочери Камилла и Мариетта стали католическими монахинями. Камилла получила имя Суор Беатрис и умерла в 18 лет, а Мариетта получила имя Суор Людовица и стала уважаемым членом монастыря. Учеты дней Лизы и Франческо отличаются друг от друга, но спорить о бессмертной любви Франческо к его жене, Лизе. Франческо умер в возрасте 80 лет, около 1538 года, когда чума охватила город. Некоторые историки утверждают, что Лиза умерла четыре года спустя, но она же сказала, что жила в семидесятых годах, умирая около 1551 года. У Лизы и Франческо было пять детей: Пьеро, Камилла, Андреа, Джокондо и Мариетта. Лиза также подняла Бартоломео, сына Франческо и его первой жены, которая умерла всего через год после его рождения. Дочери Камилла и Мариетта стали католическими монахинями. Камилла получила имя Суор Беатрис и умерла в 18 лет, а Мариетта получила имя Суор Людовица и стала уважаемым членом монастыря. Учеты дней Лизы и Франческо отличаются друг от друга, но спорить о бессмертной любви Франческо к его жене, Лизе. Франческо умер в возрасте 80 лет, около 1538 года, когда чума охватила город. Некоторые историки утверждают, что Лиза умерла четыре года спустя, но она же сказала, что жила в семидесятых годах, умирая около 1551 года. У Лизы и Франческо было пять детей: Пьеро, Камилла, Андреа, Джокондо и Мариетта. Лиза также подняла Бартоломео, сына Франческо и его первой жены, которая умерла всего через год после его рождения. Дочери Камилла и Мариетта стали католическими монахинями. Камилла получила имя Суор Беатрис и умерла в 18 лет, а Мариетта получила имя Суор Людовица и стала уважаемым членом монастыря. Учеты дней Лизы и Франческо отличаются друг от друга, но спорить о бессмертной любви Франческо к его жене, Лизе. Франческо умер в возрасте 80 лет, около 1538 года, когда чума охватила город. Некоторые историки утверждают, что Лиза умерла четыре года спустя, но она же сказала, что жила в семидесятых годах, умирая около 1551 года. который умер через год после его рождения. Дочери Камилла и Мариетта стали католическими монахинями. Камилла получила имя Суор Беатрис и умерла в 18 лет, а Мариетта получила имя Суор Людовица и стала уважаемым членом монастыря. Учеты дней Лизы и Франческо отличаются друг от друга, но спорить о бессмертной любви Франческо к его жене, Лизе. Франческо умер в возрасте 80 лет, около 1538 года, когда чума охватила город. Некоторые историки утверждают, что Лиза умерла четыре года спустя, но она же сказала, что жила в семидесятых годах, умирая около 1551 года. который умер через год после его рождения. Дочери Камилла и Мариетта стали католическими монахинями. Камилла получила имя Суор Беатрис и умерла в 18 лет, а Мариетта получила имя Суор Людовица и стала уважаемым членом монастыря. Учеты дней Лизы и Франческо отличаются друг от друга, но спорить о бессмертной любви Франческо к его жене, Лизе. Франческо умер в возрасте 80 лет, около 1538 года, когда чума охватила город. Некоторые историки утверждают, что Лиза умерла четыре года спустя, но она же сказала, что жила в семидесятых годах, умирая около 1551 года. но спорить о бессмертной любви Франческо к его жене, Лизе. Франческо умер в возрасте 80 лет, около 1538 года, когда чума охватила город. Некоторые историки утверждают, что Лиза умерла четыре года спустя, но она же сказала, что жила в семидесятых годах, умирая около 1551 года. но спорить о бессмертной любви Франческо к его жене, Лизе. Франческо умер в возрасте 80 лет, около 1538 года, когда чума охватила город. Некоторые историки утверждают, что Лиза умерла четыре года спустя, но она же сказала, что жила в семидесятых годах, умирая около 1551 года.Интересный факт: в 1506 году Леонардо считал портрет незавершенным. Ему никогда не платили за работу и не доставляли ее клиенту. Картина путешествовала с ним на протяжении всей его жизни, и он, скорее всего, завершил ее много лет спустя во Франции. Смотрите также 8 Примечания Эта страница была создана в 1996 году; Последнее изменение 4 августа 2015 года., ..

натурщица устав Климт Австрийский художник Движения и стили: символизм , модерн , венский сецессион , The Wiener Werkstätte Родился: 14 июля 1862 года - Баумгартен, Австро-Венгерская империя Умер: 6 февраля 1918 года - Вена, Австро-Венгерская империя Густав Климт Хронология СОДЕРЖАНИЕ Синопсис Ключевые идеи Самые важные > Биография Биография Влияния и Связи Ресурсы ЦИТАТЫ 1 из 8 «Кто хочет что-то знать обо мне - как художник, который один является значительным, - они должны внимательно смотреть на мои картины и искать, чтобы узнать, что я и что я хочу». Густав Климт «Все искусство эротично». Густав Климт Подпись конспект У австрийского художника Густава Климта было много причуд. Однажды его покровитель Фридерика Мария Беер-Монти пришел в свою студию, чтобы ее портрет был нарисован, в роскошной куртке из куртки, созданной друзьями Климта в Винер-Веркштете, Можно подумать, что Климт одобрит, но вместо этого он повернул ее наизнанку, чтобы разоблачить красную шелковую подкладку, и именно так он ее нарисовал. Но Климт, самый известный художник Вены той эпохи, имел престиж для этого. Его по-прежнему помнят как одного из величайших декоративных живописцев двадцатого века, а также производят один из самых значительных течений эротического искусства века. Первоначально он успешно участвовал в своих архитектурных комиссиях в академической манере, его встреча с более современными тенденциями в европейском искусстве побуждала его развивать свой собственный личный, эклектичный и часто фантастический стиль. Как соучредитель и первый президент Венского отделения, Климт также обеспечил, чтобы это движение стало широко влиятельным. Климт никогда не ухаживал за скандалом, но очень спорный предмет его работы в традиционно очень консервативном художественном центре преследовал его карьеру. Несмотря на то, что он никогда не женился, Климт по-прежнему романтически связан с несколькими любовницами, с которыми, как говорят, родилось четырнадцать детей, несмотря на его крайнее усмотрение в личной жизни. Ключевые идеи Климт впервые получил признание как декоративный художник исторических сцен и фигур благодаря своим многочисленным комиссиям по приукрашиванию общественных зданий. Он продолжал совершенствовать декоративные качества, так что сплющенные, мерцающие образцы его почти абстрактных композиций, которые теперь известны как его произведения «Золотая фаза», в конечном итоге стали настоящими предметами его картин. Хотя художник «изобразительного искусства», Климт был выдающимся выразителем равенства между изобразительным и декоративным искусством. Достигнув своего раннего успеха, рисуя в более широких архитектурных рамках, он принял многие из своих самых известных комиссий, которые были предназначены для дополнения других элементов полного интерьера, создавая тем самым Gesamtkunstwerk («полное произведение искусства»). Позже в своей карьере он работал вместе с художниками венгерской дизайнерской организации Wiener Werkstätte, целью которой было улучшить качество и визуальную привлекательность повседневных предметов. Климт был одним из самых важных основателей Венского сецессиона в 1897 году и был его первоначальным президентом, хотя он был выбран меньше за свое завершенное творчество - относительно небольшое на тот момент - чем его юная личность и готовность оспаривать власть. Его сила и известность в мире, как самый известный художник в стиле модерн, внесли большой вклад в ранний успех Сецессиона, - но и стремительное падение движения, когда он покинул его в 1905 году. Хотя искусство Климта сейчас широко популярно, на протяжении большей части 20-го века его пренебрегли. Его работы в общественных местах спровоцировали бурю оппозиции в свое время, столкнувшись с обвинениями в непристойности из-за их эротического содержания, в результате чего Климт вообще отказался от правительственных комиссий. Его рисунки не менее провокационны и дают полное выражение его значительного сексуального аппетита. Несмотря на славу и щедрость в наставничестве молодых художников, в том числе Эгона Шиле и Оскара Кокошки , Климт практически не получал прямых последователей, и его работа последовательно считалась очень личной и единственной, даже до сегодняшнего дня. Однако его картины разделяют многие формальные и тематические характеристики с экспрессионистами и сюрреалистами межвоенных лет, хотя многие из них, возможно, не были знакомы с искусством Климта. Самое важное искусство Знаменитое искусство Густава Климта Адель Блох-Бауэр I (1903-1907) Эта работа, которую многие считают лучшим Климтом, также может быть его самой известной из-за ее центральной роли в одном из самых печально известных случаев кражи нацистского искусства. Из всех многих женщин, которых Климт рисовал из жизни, Адель Блох-Бауэр, жена венского банкира и сахарного магната Фердинанда Блоха-Бауэра, была одним из его фаворитов, сидели на двух портретах и ​​служили образцом для нескольких других картин, в том числе его знаменитой Джудит I (1901). Хотя Климт, по слухам, был романтически связан с многочисленными женщинами, которые он писал, его крайнее усмотрение означает, что до сих пор нет мнения среди ученых относительно точной природы отношений его и Адели Блоха-Бауэра. Картина в основном касается растворения реальной в чистой абстрактной форме. Хотя Климт изображает Блоха-Бауэра как сидящего, почти невозможно различить форму стула или отделить формы одежды от фона. В это время Климт был в основном безразличным, изображая характер его ситтера, и тем более, предоставляя местоположение и контекст, упущения, которые были распространены во всех предыдущих портретах Климта. Биограф Климта, Фрэнк Уитфорд, описал эту картину как «самый сложный пример тирании декоративного» в творчестве художника. Использование золотых и серебряных листьев подчеркивает драгоценную природу драгоценностей, которые носит Блох-Бауэр, а также глубины любви к ней, которую испытывал Фердинанд, который заказал картину. Он помещает работу прямо в «Золотую фазу» Климта с первого десятилетия двадцатого века, в котором он использовал десятки золотых узоров и оттенков металла в своих картинах для создания этих сверкающих эффектов. Неудивительно, что когда Osterreichische Galerie Belvedere получила картину, она была переименована«Леди в золоте» , название которой по-прежнему известно сегодня. Несмотря на его движение к современной абстракции, работа Климта, тем не менее, опирается на несколько более старых источников. Наиболее заметными являются византийские мозаики базилики Сан-Витале в Равенне, Италия, которую Климт посетил в декабре 1903 года. Многие из этих мозаик используют подобный плоский золотой фон и изображают украшенную драгоценностями византийскую императрицу Теодору; Изображения Климта, которые носил Адель Блох-Бауэр в этом портрете, смоделированы на этих мозаиках, историки искусства также прослеживают глазные образы в одежде Блоха-Бауэра к египетским мотивам, а завитушки и катушки и другие декоративные устройства на основе Блоха Инициативы Бауэра, вероятно, напоминают проекты древних Микен и классической Греции. Адель умер в 1925 году. Поскольку Блох-Бауэрс был евреем, активы Фердинанда стали объектами нацистского грабежа после аннексий Австрии и Западной Чехословакии в 1938 году, и Фердинанд в конечном счете бежал в Швейцарию. Нацисты установили картину в австрийской галерее Бельведер, которая переименовала ее и, в конце концов, заняла позицию, что кражи искусства не произошло. Фердинанд умер в 1946 году, но не раньше, чем его конфискованные картины (в том числе Блох-Бауэр I и пять других работ Климта) его племяннику и двум племянницам. К ним присоединилась Мария Альтманн, которая в 2000 году подала иск о восстановлении картин. Важнейший случай, который пришел в Верховный суд Соединенных Штатов, был в конечном счете успешным, и картины были возвращены семье Блоха-Бауэра в 2006 году. В июне этого года Альтманн продалBloch-Bauer I американскому коллекционеру и магнату косметики Рональду С. Лаудеру за 135 миллионов долларов, в то время рекордная цена оплачивалась за любую картину. Лаудер дал Блоху-Бауэру I в «Neue Galerie» для немецкого и австрийского искусства в Нью-Йорке, который он основал, где он постоянно висит на дисплее. Это, пожалуй, самый известный пример кражи нацистского искусства, который стал предметом многочисленных статей, книг и фильмов. Прочитайте больше ... Густав Климт Работы в фокусе: Аудитория старого Бургтеатра (1888-89) Паллас Афина (1898) Медицина (1900-1901) Фриз Бетховена (1902) Адель Блох-Бауэр I (1903-1907) Поцелуй (1907-08) Парк (1909-10) Обнаженная фигура (около 1913-14) Обзор Густава Климта биография Детство Родившийся в Эрнсте Климте, золотой гравер, который был из Богемии, и Анна Финстер, стремящийся, но безуспешный музыкальный исполнитель, Густав Климт был вторым из семи детей, воспитывающихся в небольшом пригороде Баумгартен, к юго-западу от Вены. Семья Климта была бедной, поскольку в первые годы империи Габсбургов работа была недостаточной, особенно для этнических меньшинств, что в значительной степени связано с крахом фондового рынка 1873 года. Между 1862 и 1884 годами Климтс часто ездил, проживая не менее пяти разных адресов, всегда искал более дешевое жилье. В дополнение к финансовым трудностям семья испытала много трагедии дома. В 1874 году младшая сестра Климта Анна умерла в возрасте пяти лет после продолжительной болезни. Вскоре после этого его сестра Клара страдала психическим расстройством после того, как поддалась религиозному пылу. В раннем возрасте Климт и его два брата Эрнст и Георг проявили очевидные художественные дары. Однако Густав был выделен его инструкторами как исключительный рисовальщик, посещая среднюю школу. В октябре 1876 года, когда ему было четырнадцать лет, родственник поощрял его принять вступительный экзамен для Кунстгьюербешуле, Венской школы искусств и ремесел, и он прошел с отличием. Позже он сказал, что он намеревался стать мастером рисования и занял должность преподавателя в Бургершуле, венском эквиваленте средней школы 19-го века, в котором он участвовал. Климт начал свое официальное обучение в Вене, в то время как город претерпел значительные изменения. В 1858 году император Франц Иосиф I приказал уничтожить остатки старых средневековых оборонительных стен, которые окружали центральную часть города, оставляя большое круговое пространство, которое было перестроено как серия широких бульваров, известных как Рингштрассе («кольцевая улица» «). В течение следующих тридцати лет на Рингштрассе выстроились деревья и крупные буржуазные жилые дома, а также множество новых зданий для размещения различных гражданских и имперских правительственных учреждений, включая театры, художественные музеи, Венский университет и здание австрийского парламента. Наряду с недавно построенной муниципальной железной дорогой, приходом электрических уличных фонарей и городскими инженерами, перенаправляющими реку Дунай, чтобы избежать наводнений, Вена вступила в золотой век промышленности, исследований и науки, чему способствовали современные достижения в этих областях. Однако в Вене еще не было революционного духа в искусстве. Обучение и ранний успех Густав Климт (c 1890) Учебная программа и методы обучения Кунстгювербешуле были довольно традиционными для своего времени, то, что Климт никогда не ставил под сомнение или не оспаривал. Благодаря интенсивному обучению рисованию, ему было поручено с честью копировать украшения, рисунки и гипсовые отливки классических скульптур. Как только он проявил себя в этом отношении, только тогда ему разрешили рисовать фигуры из жизни. Климт с самого начала поразил своих инструкторов, вскоре присоединившись к специальному классу с акцентом на живопись, где он показал значительный талант рисовать живые фигуры и работать с различными инструментами. Обучение молодого художника также включало тесное изучение произведений Тициана и Питера Пауля Рубенса. Климт также имел доступ к богатству картин Венского музея изящных искусств испанского мастера Диего Веласкеса,Веласкеса и И. " Климт также стал огромным поклонником Ханса Макарта (самого известного венского историка эпохи), и особенно его техники, в которой использовались драматические эффекты света и очевидная любовь к театральности и зрелищности. В какой-то момент, пока еще студент, Климт, как сообщается, подкупил одного из слуг Макарта, чтобы позволить ему попасть в мастерскую художника, чтобы Климт мог изучить последние незавершенные работы. Незадолго до ухода из Кунстгеербешуле к классу живописи Климта присоединился его младший брат Эрнст и молодой художник по имени Франц Мац, еще один талантливый венский художник, специализировавшийся на крупномасштабных декоративных работах. Климт и Матч закончили учебу в 1883 году, и вместе они взяли в аренду большую студию в Вене. Несмотря на этот шаг и его ранний успех, Климт оставался резиденцией со своими родителями и оставшимися в живых сестрами. Вскоре Климт и Мацх стали художниками, пользующимися большим спросом среди культурной элиты города, в том числе видных архитекторов, общественных деятелей и государственных чиновников. Еще в 1880 году Климт и Мацх рекомендовали своим живописным профессором Фердинандом Лауфбергером провести четырехкратную комиссию от имени венской архитектурной фирмы, специализирующейся на театральном дизайне. Несмотря на спрос, оплата услуг Климта и Маца не была прибыльной. Когда Климту, его брату Эрнсту и Мацу было вручено задание украсить грандиозную лестницу нового Бургтеатра, трио обнаружило, что их комиссия не покрывает расходы на найм моделей, поэтому они заручились друзьями и семьей. Сегодня среди зрителей в театре Шекспира можно увидеть сестры Климта Эрмине и Иоганну (вместе со всеми тремя художниками), в то время как их брат Георг играет умирающего Ромео. Кстати, это единственный сохранившийся автопортрет Климта. Зрелый период Эмили Флеге в платье, разработанном Эдуардом Йозефом Виммер-Висгрилом и ювелирными изделиями от Wiener Werkstätte (1910) К концу 1892 года как старший отец Эрнста Климта - Густава, так и его младший брат Эрнст умер, последний внезапно возник из-за перикардита. Эти смерти глубоко затронули Густава, который теперь остался финансово ответственным за свою мать, сестер, вдову брата и их дочь-младенец. Вдова его брата Эрнста, Элен Флеге, к которой он был женат всего лишь пятнадцать месяцев, - и ее семья среднего класса имела дома как в городе, так и в стране, где Климт стал частым гостем. Климт вскоре начал близкую дружбу с сестрой Элене, Эмили Флёге, которая продлится до конца его жизни и станет основой для одного из его самых известных портретов. Темп работы Климта замедлился после смерти его брата и отца. Художник также начал расспрашивать об условностях академической живописи, что привело к разрыву между Климтом и его давним партнером Матчем. В 1893 году Художественный консультативный комитет Министерства образования обратился к Матчу за комиссией, чтобы украсить потолок недавно построенного Большого зала Венского университета. В конечном итоге Климт присоединился к проекту (по просьбе Маца или Министерства), но это сотрудничество было последним между двумя мужчинами. Климту было предложено изготовить три большие потолочные картины для Большого зала университета, включая Философство (1897-98), Медицина (1900-01) и Юриспруденция (1899-1907). К удивлению его комиссаров, для этих картин Климт предпочел использовать очень декоративную символику, которую трудно читать, тем самым отмечая значительный поворот в его отношении к живописи и искусству в целом. Существенные разногласия возникли в картинах Университета Климта, особенно из-за наготы некоторых фигур в медицине , и отчасти к обвинениям в том, что предмет был неопределенным. Картины университета никогда не были установлены, и после спора Климт решил никогда больше не принимать публичную комиссию. Основание венского отделения Работа Климта над картинами в университете в Вене совпала с более широким расколом в венском художественном сообществе. В 1897 году он вместе с несколькими другими современными художниками и дизайнерами отказался от своего членства в ведущей ассоциации художников в Кунстлерхаусе, членом которой Климт был с 1891 года. Кунстлерхаус контролировал главное место для экспонирования современного искусства в городе, и Климт и его товарищи-модернисты жаловались, что им отказывают в тех же привилегиях, что и там, потому что Кунстлерхаус, который сделал комиссию по работам, показанным там, благоприятствовал более продаваемым консервативным работам. Иосиф Мария Ольбрих (слева), неизвестный, Коломан Мозер и Климт (1898) Модернистская когорта немедленно перегруппировалась, чтобы основать Венский сецессион (также известный как Союз австрийских художников) в 1897 году. Наряду с Климтом в группу вошли Йозеф Хоффманн , Коломан Мозер и Иосиф Мария Ольбрих . Климт стал президентом-основателем Сецессионства. Его основополагающие принципы были следующими: предоставить молодым и нетрадиционным художникам возможность показать свою работу; выставить Вену великим произведениям зарубежных художников (а именно французских импрессионистов, которых Кунстлерхаус не смог сделать); и опубликовать периодический журнал, в конце концов названный Ver Sacrum («Священная весна»), которая получила свое название от римской традиции городов, отправляющих молодые поколения своих граждан самостоятельно, чтобы найти новое поселение. Сецессион быстро установил свое присутствие в художественной среде города через серию выставок, в которых Климт сыграл большую роль в организации. Многие из них представляли работу иностранных современных художников, которые были созданы соответствующими членами группы. Выставки получили широкое признание от общественности и вызвали удивительно мало споров, учитывая, что венский язык практически не подвергался воздействию современного искусства. В 1902 году Сепаратисты провели свою 14-ю выставку, посвященную празднованию композитора Людвига ван Бетховена, за что Климт нарисовал свой знаменитый Бетховенский фриз , массивную и сложную работу, которая, как ни парадоксально, не имела прямого упоминания о каких-либо композициях Бетховена. Вместо этого он рассматривался как сложная, лирическая и высокорискованная аллегория художника как Бога. Несмотря на то, что Сецессион был посвящен идее Gesamtkunstwerk или полностью и гармонично спроектированной среде, он попытался сохранить искусство выше сферы коммерческих интересов, что оказалось проблематичным для его членов, прежде всего декоративных художников, чья работа по проектированию полезных объектов потребовал, чтобы коммерческий выход был успешным. В 1903 году два из его выдающихся членов, Йозеф Хоффманн и Коломан Мозер, создали новую организацию - Wiener Werkstätte, посвященную продвижению и дизайну декоративного искусства и архитектуры для таких целей. Климт, который был близок как к Хоффманну, так и к Мозеру, впоследствии будет сотрудничать с несколькими проектами Werkstatte, в первую очередь с гигантским мульти-панельным деревом, украшенным фризом для Palais Stoclet в Брюсселе, самым большимGesamtkuntswerk производства Werkstatte, между 1905-10. В 1905 году Климт и ряд его сподвижников подали в отставку из Венского сецессиона из-за разногласий по поводу объединения группы с местными галереями, которые не были особенно сильны в Вене, чтобы продавать свое искусство. Несмотря на то, что у них было собственное выставочное пространство, сецессионисты по-прежнему испытывали недостаток в систематическом месте, чтобы завершить продажу своей работы. « Климтгрупп» (как известно Климту и его сторонникам, в том числе Мозеру и Йозефу Марии Аухенталлер) предложил, чтобы Сецессион купил Галерею Миетке, но был отклонен одним голосом, когда предложение было выдвинуто перед членством, поскольку оппозиция хотела сохранить Сецессию полностью отделен от коммерческих интересов. Klimtgruppeотставка Сергея высекла Сецессию ее наиболее известных на международном уровне членов; тем не менее, за годы, прошедшие с тех пор, как он многократно изобретал себя - часто совпадал с изменениями в руководстве - и сегодня он остается единственным австрийским художником, занимающимся реализацией современного искусства. Поздний период и смерть Японское влияние: слева: Климт, Фриз Стоклета (подробно) (1911); Справа: Хосода Эйшо The Courtesan Kasugano (подробно) (1795) В течение десятилетия между 1898 и 1908 годами, работая членом Сецессии и комиссиями для Университета, личный стиль Климта, который богато сочетал элементы как до современных, так и современных эпох, достиг своего полного созревания. В течение этих лет он создал несколько своих самых известных произведений, которые вместе составляют его «Золотую фазу», так называемую в значительной степени благодаря обширному использованию Климтом золотых листьев. Эти картины включают « Поле маков» (1907), «Поцелуй» (1907-08) вместе с портретами Паллада Афины (1898), Джудит I (1901) и Адель Блох-Бауэр I (1903-07). Несмотря на уважение, данное им сегодня, прием в то время не всегда был таким добрым: один критик заметил, увидевБлох-Бауэр I в первый раз, что он был «более бледным, чем Блох» («blech» на самом деле был немецким словом для олова). Если Климту не понравился ответ на его картины, он, вероятно, был рад, что критикам никогда не приходилось видеть его альбомы, так как Климт был чем-то вроде мужского эквивалента стереотипной сумасшедшей кошки леди двадцатого века. Он утверждал, что моча кошки была лучшей фиксацией, и поэтому его эскизы часто покрываются ею. В последнее десятилетие или около того его жизни Климт разделил большую часть своего времени между своей студией и садом в Хейцзинге, в Вене, и родиной семьи Флёге, где он и Эмили провели много времени вместе. Хотя между ними, несомненно, была романтическая связь, широко распространено мнение, что оба никогда не уступали физическому желанию. Однако их близость не смягчила неприязнь Климта к использованию письменного языка: в одном письме Эмили он так расстроился, что просто написал: «К черту слова!» Климт был столь же кратким и нелепым, когда обсуждал места, которые он посещал; во время одного визита в Италию он мог только сообщить Эмилии, что «в Равенне много жалких, - мозаики потрясающе великолепны». В этом лете Климт произвел многие из его великолепных (еще часто недооцененных) пленэра пейзажей, такие как The Park(1909-10), часто с точки зрения лодке или открытого поля. У Климта было две любви: живопись и женщины, и его аппетит для обоих был, казалось бы, ненасытным. Личная жизнь Климта, о которой он стремился проявить осторожность, в результате стала довольно известной темой значительных спекуляций среди критиков и историков, особенно учитывая многочисленные портреты Климта женщин. Во многих случаях не было достигнуто консенсуса в отношении участия Климта в работе отдельных женщин; в то время как многие сообщения клянутся интимными связями Климта, другие - отчасти из-за отсутствия убедительных доказательств - сомнения в том, что между Климтом и теми же ситтерами была какая-то романтическая связь. Климт в саду своей студии (1910) Хотя Климт не изменил свою тему в последние годы, его живописный стиль претерпел значительные изменения. Во многом отменяя использование золота и серебра, а также украшения в целом, художник начал использовать тонкие смеси цветов, такие как сирень, коралл, лосось и желтый цвет. Климт также произвел огромное количество рисунков и исследований за это время, большинство из которых были женских обнаженных, некоторые из которых настолько эротичны, что по сей день они редко экспонируются. В то же время многие из поздних портретов Климта получили высокую оценку за то, что художник больше внимания уделяет характеру и новой заботе о подобии. Эти особенности очевидны в Adele Bloch-Bauer II (1912) и Mada Primavesi (1913), а также странно эротические друзья(около 1916-17), в котором изображается то, что кажется лесбиянкой - одной обнаженной и другой одетыми - на фоне стилизованных птиц и цветов. 11 января 1918 года Климт перенес инсульт, который оставил его парализованным с правой стороны. Постепенно и больше не умея рисовать или даже рисовать, Климт погрузился в отчаяние и заразился гриппом. 6 февраля он умер, одной из самых известных жертв пандемии гриппа в этом году. Он был всего лишь одним из четырех великих венских художников, чтобы умереть в этом году: Отто Вагнер, Коломан Мозер и Эгон Шиле все поддались, а последняя также была жертвой гриппа. К моменту его смерти различные направления современного искусства, в том числе кубизм, футуризм, дада и конструктивизм, все привлекли внимание творческих европейцев. Работа Климтта к тому времени считалась частью ушедшей эпохи в живописи, которая по-прежнему была сосредоточена на человеческих и естественных формах, а не на деконструкции или прямом отречении от тех самых вещей. наследие Климт никогда не женился; никогда не писал ни одного автопортрета, предназначенного как такового; и никогда не утверждал, что революционизировал искусство. Климт не путешествовал широко, но он оставил Австрию на нескольких визитах в другие места в Европе (хотя однажды он побывал в Париже, он оставил без внимания). С революционной Сецессией главной целью Климта было привлечь внимание к современным венским художникам и, в свою очередь, привлечь их внимание к гораздо более широкому миру современного искусства за пределами Австрии. В этом смысле Климт несет ответственность за то, чтобы помочь превратить Вену в ведущий центр культуры и искусства на рубеже веков. Прямое влияние Климта на других художников и последующие движения было весьма ограниченным. Многое в том, как Климт почитал Ганса Макарта, но в конце концов отклонился от стиля своего наставника, более молодые венские художники, такие как Эгон Шиле и Оскар Кокошка, поклонялись Климту на ранней стадии, только чтобы созреть в более квази-абстрактные и экспрессионистские формы живописи. В возрасте 17 лет Шиле искал Климта и развил дружбу с мастером, который сегодня проявляет себя в нескольких сравнениях своих произведений; Например, кардинал и монаха Шиле (Caress) 1912 года, несомненно, основаны на «Поцелуе» («Влюбленные» Климта )от 1907-08. Климт представил Шиле многочисленным галеристам, художникам и моделям, в том числе Валери (Уолли) Нозиль, с которыми Шиле начал свои отношения в 1911 году, когда они переехали вместе с Крумау в Богемию (теперь Чешский Крумлов в Чехии) - хотя в 1916 году Нозиль вернулся в Вену, чтобы снова моделировать Климта. В 1914 и 1916 годах Шиле и Климт производили портреты богатого авангардистского покровителя Фридерика Марии Бир-Монти; Фактически, первоначально Климт отказался от комиссии за более поздний портрет Бир-Монти, потому что Шиле уже закончил его. Хотя некоторые критики и историки утверждают, что работа Климта не должна включаться в канон современного искусства , его творчество- особенно его картины, опубликованные в 1900 году, по-прежнему поражает своими визуальными сочетаниями старого и современного, настоящего и абстрактного. Климт произвел свою большую работу во время экономической экспансии, социальных изменений и введения радикальных идей, и эти черты явно проявляются в его картинах. Климт создал очень личный стиль, и смысл многих его произведений не может быть полностью расшифрован без знания его личных отношений с изображенными и, благодаря осторожному усмотрению Климта в его личной жизни, вероятно, никогда не будет полностью осознан. Другие работы практически непостижимы из-за непонятных аранжировок их содержания. Тем не менее эта ситуация, несомненно, способствует росту Климта, Климт добился своего бессмертия из-за разногласий, которые он породил из содержания своих произведений на рубеже веков, и тайны, связанные с его отношениями с его сиделки, но он, возможно, даже превзошел это после его смерти судами некоторые из его самых известных работ. Несколько картин Климта вошли в коллекции еврейских знатоков в 1930-х годах, и этот факт, вероятно, в сочетании с статусом Климта как выдающегося современного художника, способствовал их конфискации нацистами после 1938 года и их послевоенному размещению, если не уничтожению, в государственных музеях , Между тем, первоначальные владельцы и их наследники - в первую очередь семья Альтманн, которая держала претензии к Адель Блох-Бауэр I Климта- с тех пор подали иски для восстановления картин для частной собственности, некоторые из которых были успешными. Такие события значительно повысили профиль Климта как художника, а продажа некоторых из этих восстановленных произведений принесла рекордные цены. Важное искусство Густава Климта Нижеследующие работы являются наиболее важными для Густава Климта - как обзор основных творческих периодов, так и выделение величайших достижений художника. Аудитория старого Бургтеатра (1888-89) Аудитория старого Бургтеатра (1888-89) Описание работы и анализ: Это была важная комиссия для ранней карьеры Климта: городской совет Вены попросил Климта и его напарника Франца Матча нарисовать изображения старого Бургтеатра, оперного театра города - построенного в 1741 году и намеченного на снос после его замены законченный в 1888 году - как запись существования театра. В отличие от аналога Маца к этой картине, которая показывает сцену Бургтеатра с места в аудитории, лечение Климта делает совершенно противоположное - странный выбор, но довольно значительный архитектурный, поскольку он показывает полное расположение журналов и зрительного зала напольные сиденья вместе с отделкой потолка. Это характерно для академического стиля ранней работы Климта и влияния на него Ханса Макарта. Когда слово этой комиссии было пропущено для публики, многие люди умоляли Климта вставлять свои портреты, пусть и маленькие, в картину через специальные заседания с художником, будучи увековеченными на холсте, поскольку постоянный посетитель в Бургтеотере представлял собой осязаемую эмблему социальный статус. В результате картина служит не только как ценная запись архитектуры театра, но и по существу как каталог политической, культурной и экономической элиты города - более 150 человек. Среди членов аудитории - премьер-министр Австрии; Мэр Вены; хирург Теодор Биллрот; композитор Йоханнес Брамс; и любовница императора, актриса Катерина Шратт. Хотя предмет подходит для истории, его размеры (ширина, самая длинная сторона, размеры менее 37 дюймов) уменьшительны, что делает точность индивидуальных портретов Климта более впечатляющей. Критики в то время согласились, так как Климт был награжден желанной Императорской премией в 1890 году за эту картину, что значительно подняло его профиль в венском арт-сообществе, и вскоре последовало шквал других важных публичных комиссий для зданий на Рингштрассе. Гуашь на бумаге - Исторический музей Вены Паллас Афина (1898) Паллас Афина (1898) Описание и анализ работ: Хотя сепаратисты были известны как группа, которая пыталась порвать с художественными традициями, их отношения с прошлым были более сложными, чем простой перспективный менталитет. Климт, наряду со многими его коллегами-художниками и художниками-графиками, культивировал острое понимание символической природы мифических и аллегорических фигур и рассказов из Греции, Рима и других древних цивилизаций. С его мягкими цветами и неопределенными границами между элементами, Климт начинает растворение фигурного в направлении абстракции, которое придет к полной силе в годы после того, как он покинул Сецессию. Эта картина излучает, таким образом, сенсорную концепцию имперского, мощного присутствия греко-римской богини мудрости, Афины и неспособности людей полностью понять, что, а не хрустящий, Также значительно, туманное качество изображения позволяет Климту подчеркнуть андрогинный характер богини, размывание гендерной идентичности, которое было представлено в древних описаниях и изображениях ее, и было исследовано многими другими художниками и культурными светилами на рубеже веков , Она одета в военные регалии, которые традиционно идентифицируют ее как воина и защитника ее одноименного города, Афин - качества, обычно связанные с мужественностью. Только пряди волос, которые тонко задрапированы с каждой стороны ее шеи (и почти сливаются с золотым цветом ее шлема и нагрудного доспеха), дают намек на ее женственность. Едва видимая на левой стороне картины, она держит обнаженную фигуру Ники, представляя победу, возможно, единственную ясную женскую ссылку в работе. Туманность вызывает одновременное исследование сновидений Зигмунда Фрейда, чья семенная работа над этим предметом будет опубликована в Вене всего два года спустя. Заманчиво читать картину Климта в контексте взгляда Фрейда на мечты как на выполнение желаний, что может предполагать, что могущественная, властная женщина является объектом мужского желания, но также потенциально может быть, что традиционная женская личность должна быть выполнена в костюмах, чтобы для достижения такого могущественного статуса. Холст, масло - Коллекция Музея Вены, Вена Медицина (1900-1901) Медицина (1900-1901) Описание и анализ работ: в 1894 году Климт был уполномочен Министерством культуры представить картины для нового Большого зала Венского университета, недавно построенного на Рингштрассе. Задача Климта состояла в том, чтобы нарисовать три монументальные полотна по темам Философии, Медицины и Юриспруденции, соответственно. К тому времени, когда Климт начал рисовать холсты четыре года спустя, он присоединился к Сецессию и отказался от натурализма старого Бургтеатра, чтобы бросить вызов традиционному предмету. Главной темой, которая должна была объединить три картины университета, была «триумф света над тьмой», в рамках которой Климту была предоставлена ​​свободная рука. Однако ни одна из готовых продуктов не передает эту тему с какой-либо степенью ясности.Медицина , вторая из трех, которая будет представлена, была холстом, который вызвал наибольшее противоречие. Эта деталь из медициныпоказывает фигуру Гигеи, мифологической дочери бога медицины, которая была расположена в нижнем центре холста и идентифицирована сопутствующей змеей и чашкой Лета. Над Хайгеей поднялась высокая колонна света, справа от которой розовалась паутина обнаженных фигур, переплетающихся со скелетом Смерти. На другую сторону светового столба лежала обнаженная самка, чей таз был направлен вперед, а под ее ногами плавал младенец (которому она только что родила), завернутый в вал из тюля. Образы спровоцировали бурю критики на двух уровнях. Во-первых, преподаватели и сотрудники министерства утверждали, что это был порнографический, особенно самка с толкая таз - тем самым демонстрируя stodginess культурного сообщества Вены. Во-вторых - возможно, более веский аргумент - картина ничего не сделала, чтобы проиллюстрировать темы медицины, либо в качестве профилактического, либо лечебного инструмента. Резкий отклик на работы Климта в конечном итоге побудил его в 1905 году выкупить три произведения за 30 000 крон с помощью своего покровителя Августа Ледерера, который получилФилософия взамен. Работа Климта трудно расшифровать, и кажется, что одной из его целей с картиной было показать двусмысленность человеческой жизни, одновременно представляя темы рождения и смерти. В некотором смысле это очень иронично, поскольку в то время в Вене был одним из основных центров медицинских исследований: наряду с Зигмундом Фрейдом, который только что опубликовал «Интерпретацию сновидений» (1899), в нем находились пионер абдоминального хирурга Теодора Бильрот. В этом отношении Медицинадемонстрирует, как, несмотря на большие успехи, достигнутые Сецессией за четыре года с момента его основания, движение не решительно отменило консервативное отношение к современному искусству в Вене. Для Климта все дело представляло собой общее публичное унижение и отказ; он не выставлялся в Вене в течение пяти лет после 1903 года, и он поклялся в официальных комиссиях и ушел, чтобы взять на себя только частные портреты или пейзажи на оставшуюся часть своей карьеры. Его трио картин университета, родившихся в огненной бурной полемике, встретило их собственную огненную судьбу, когда они нашли свой путь в коллекции евреев и стали тремя из многих произведений Климта, конфискованных нацистами. Они были сожжены в мае 1945 года в замке Иммендорф, нижнем австрийском замке, где их хранили, отступая войска СС. Холст, масло - Уничтожено в 1945 году Фриз Бетховена (1902) Фриз Бетховена (1902) Описание Работа и анализ: Бетховен Фриз , только деталь которого показана здесь, была написана Климта на 14 - й выставке Сецессиона в 1902 году - возможно , группа самых известных - посвященный одноименному немецкого композитора , который был давним Вене резидентом. Это монументальная работа, размером около 7 футов в высоту на 112 футов в длину и весом 4 тонны. Окрашенный на внутренних стенах Сецессионного здания, он сохранился, но не показывался до 1986 года; теперь он постоянно находится на виду в подвале. Бетховена Фриз является частью выставки-как- Gesamtkustwerk , или общая художественная среда, которую стремятся создать сепаратисты. Для них это часто включало все отрасли искусств - не просто изобразительное искусство, но и исполнительское искусство, например, симфонические произведения, театр и оперу; Соответственно, адаптация современного венского композитора Густава Малера Девятой симфонии Бетховена играла на открытии этой выставки Сецессии. Gesamtkunstwerk подчеркивается деталью , такие как включение драгоценных камней в окрашенных поверхности , чтобы добавить к мерцающим эффектам. Нарратив фриза отслеживает повествование трех женских фигур, называемых Генией, которые представляют человечество, стремящееся к исполнению. Они полагаются на гигантского рыцаря в сияющих доспехах, - сказал представитель великого лидера немецкоязычных стран Европы, - чтобы вести их через боронование минных полей персонажей, удлиненные и преувеличенные формы сразу же ссылаются на горгоны, такие как Медуза с греческого мифологии и представляют собой бедствия и пороки, такие как болезнь, безумие, смерть, несдержанность и бессмысленность. Выполнение приходит в конце, представленное парой обнаженных женских и мужских фигур, запертых почти эротическими объятиями в золотой ауре, окруженной хором, ссылкой на хоровое исполнение стихотворения Шиллера «Ода радости» в конце из девятой симфонии . Несмотря на современное понятие « Гесемткюнстверк» , зависимость от очень старых тропов - не только фигуры из греческой мифологии, но и плоские изображения фигур, подобных тем, которые видны на древнегреческих вазах, - демонстрируют диапазон влияний на сепаратистов. Это также предполагает их желание синтезировать современное искусство из старых и новых, инноваций и традиций, которые отвечали бы надеждам и желаниям общества начала века. Казеиновая краска на штукатурке, инкрустированная различными материалами - The Secession Building, Вена Адель Блох-Бауэр I (1903-1907) Адель Блох-Бауэр I (1903-1907) Описание и анализ работ: эта работа, которую многие считают лучшим Климтом, также может быть самой известной из-за ее центральной роли в одном из самых печально известных случаев кражи нацистского искусства. Из всех многих женщин, которых Климт рисовал из жизни, Адель Блох-Бауэр, жена венского банкира и сахарного магната Фердинанда Блоха-Бауэра, была одним из его фаворитов, сидели на двух портретах и ​​служили образцом для нескольких других картин, в том числе его знаменитой Джудит I (1901). Хотя Климт, по слухам, был романтически связан с многочисленными женщинами, которые он писал, его крайнее усмотрение означает, что до сих пор нет мнения среди ученых относительно точной природы отношений его и Адели Блоха-Бауэра. Картина в основном касается растворения реальной в чистой абстрактной форме. Хотя Климт изображает Блоха-Бауэра как сидящего, почти невозможно различить форму стула или отделить формы одежды от фона. В это время Климт был в основном безразличным, изображая характер его ситтера, и тем более, предоставляя местоположение и контекст, упущения, которые были распространены во всех предыдущих портретах Климта. Биограф Климта, Фрэнк Уитфорд, описал эту картину как «самый сложный пример тирании декоративного» в творчестве художника. Использование золотых и серебряных листьев подчеркивает драгоценную природу драгоценностей, которые носит Блох-Бауэр, а также глубины любви к ней, которую испытывал Фердинанд, который заказал картину. Он помещает работу прямо в «Золотую фазу» Климта с первого десятилетия двадцатого века, в котором он использовал десятки золотых узоров и оттенков металла в своих картинах для создания этих сверкающих эффектов. Неудивительно, что когда Osterreichische Galerie Belvedere получила картину, она была переименована«Леди в золоте» , название которой по-прежнему известно сегодня. Несмотря на его движение к современной абстракции, работа Климта, тем не менее, опирается на несколько более старых источников. Наиболее заметными являются византийские мозаики базилики Сан-Витале в Равенне, Италия, которую Климт посетил в декабре 1903 года. Многие из этих мозаик используют подобный плоский золотой фон и изображают украшенную драгоценностями византийскую императрицу Теодору; Изображения Климта, которые носил Адель Блох-Бауэр в этом портрете, смоделированы на этих мозаиках, историки искусства также прослеживают глазные образы в одежде Блоха-Бауэра к египетским мотивам, а завитушки и катушки и другие декоративные устройства на основе Блоха Инициативы Бауэра, вероятно, напоминают проекты древних Микен и классической Греции. Адель умер в 1925 году. Поскольку Блох-Бауэрс был евреем, активы Фердинанда стали объектами нацистского грабежа после аннексий Австрии и Западной Чехословакии в 1938 году, и Фердинанд в конечном счете бежал в Швейцарию. Нацисты установили картину в австрийской галерее Бельведер, которая переименовала ее и, в конце концов, заняла позицию, что кражи искусства не произошло. Фердинанд умер в 1946 году, но не раньше, чем его конфискованные картины (в том числе Блох-Бауэр I и пять других работ Климта) его племяннику и двум племянницам. К ним присоединилась Мария Альтманн, которая в 2000 году подала иск о восстановлении картин. Важнейший случай, который пришел в Верховный суд Соединенных Штатов, был в конечном счете успешным, и картины были возвращены семье Блоха-Бауэра в 2006 году. В июне этого года Альтманн продалBloch-Bauer I американскому коллекционеру и магнату косметики Рональду С. Лаудеру за 135 миллионов долларов, в то время рекордная цена оплачивалась за любую картину. Лаудер дал Блоху-Бауэру I в «Neue Galerie» для немецкого и австрийского искусства в Нью-Йорке, который он основал, где он постоянно висит на дисплее. Это, пожалуй, самый известный пример кражи нацистского искусства, который стал предметом многочисленных статей, книг и фильмов. Масло, золото и серебро на холсте - Neue Galerie, Нью-Йорк Поцелуй (1907-08) Поцелуй (1907-08) Описание и анализ работ: Поцелуй , возможно, самый популярный и ясный праздник Климта в сексуальной любви и, возможно, его самая воспроизводимая работа. Как и Блох-Бауэр I , это одна из ключевых составных картин «Золотой фазы» Климта, которая длится примерно с 1903 года по 990 год и часто считается ярким примером живописи в стиле модерн. Он демонстрирует способность Климта синтезировать произведение, опираясь на необычный диапазон источников, хотя общий состав остается довольно простым. Предмет Климта прост, изображая пару, запертую в интимных объятиях на краю луга, обозначенную светящимся, почти стеганым, как у цветов цветов, который простирается под ними. Конструкция композиции предполагает высокую степень осведомленности о движении Искусств и ремесел. Сплюснутые рисунки луга и одежда фигур, например, напоминают ткани, созданные Уильямом Моррисом в конце 19 века. Использование Klimt тонких материалов, особенно золота и серебра, помогает подчеркнуть драгоценный характер работы и указать на высокую степень специализированного мастерства для их использования на холсте; Однако с Климтом исходный материал становится намного сложнее. Мы можем проследить использование золота в его близости к византийскому искусству, например, к золотым полям для мозаик, которые он видел в Равенне в 1903 году. И хотя Моррис и средневековые источники использовали такие драгоценные материалы, чтобы превознести текстовый предмет - либо слово Бог или великая литература - Климт использует их, чтобы подчеркнуть священную природу человеческих отношений и связь между чувственными любовниками, ключевой темой, лежащей в основе большей части модерна. Связь с модерном еще более подчеркивается преувеличением фигур Климта, а также тем, как он, кажется, объединяет свои формы, несмотря на дихотомию квадратного круга / самки. Наконец, удержание фигур на центральной полосе холста, при этом их головы почти касаются верхней границы, Учитывая исследования Климта для этой работы, в которых изображена мужская фигура с бородой, возникает соблазн прочитать поцелуй как автобиографический, а художник, как мужчина, и Эмили Флеге, или Адель Блох-Бауэр, возможно, служат моделью для женщины, хотя это остается чисто спекуляцией. Оставив личность фигур двусмысленными, Климт позволяет изображению «Поцелуя» воплотить универсальное, вневременное видение романтической любви, а не просто личное и ситуационное значение, тем самым расширяя его привлекательность. Масло, золото и серебро на холсте - Osterreichische Galerie Belvedere, Вена Парк (1909-10) Парк (1909-10) Описание и анализ работ: начиная с конца века Климт обратился к пейзажной живописи как к другому жанру, интересному, который займет его последние пятнадцать лет его карьеры. Хотя его ландшафты, подобные этому, предполагают, что пуллиллизм оказал на него большое влияние, Климт никогда не проявлял интереса к использованию оптики в своей работе и формальным аспектам The Parkпохоже, это подтверждают. Например, Климт не использует диаметрально противоположные точки цвета, чтобы увеличить яркость зелени, желтых или синих, присутствующих на листьях деревьев. Скорее, верхние девять десятых квадратной картины выглядят как массивная текстурированная абстрактная лоскутная или декоративная мозаика. Только с помощью нижней части работы становится очевидной их представительская функция. Манипулирование пространства Климтом становится центральной стратегией для этой работы, так как кажущаяся сплошная сплошная масса листвы визуально доминирует над холстом и, кажется, даже прижимается к пространству под ним, включая стволы деревьев (те, что на переднем плане, почти выглядят как если они раздавлены), а металлическая скамья внизу справа выглядит так, как будто ее скоро проглотит нисходящий занавес листьев. Несмотря на то, что функция скамейки - это место для отдыха людей, когда она, по-видимому, наслаждается природным окружением, здесь скамейка не встречает сиделок, чьи головы могут быть иначе раздавлены или потеряны в клубок листвы. В связи с этим Климт, возможно, опирается на романтическую традицию возвышенного, с ее разоблачением удивительной силы природы, тема, мощно исследованная столетием ранее немецким художником Каспаром Давидом Фридрихом, который, подобно Климту, культивировал одиночное профессиональное существование как трудного художника, чтобы подходить и понимать. Таким образом, сознавая развитие современной жизни в преобразованиях города вокруг него, Климт вПарк признает продолжающуюся неспособность человека полностью приручить природу и склонить ее к своим желаниям. Холст, масло - Музей современного искусства, Нью-Йорк Обнаженная фигура (около 1913-14) Обнаженная фигура (около 1913-14) Описание и анализ работ: Как и большинство визуальных художников, Климт произвел сотни рисунков и эскизов за всю свою жизнь, многие из которых готовились к более крупным работам. Он был воплощением стереотипного мужского художника, чья студия была также местом для его связей со многими его обнаженными женскими моделями - модель поведения, которая, к сожалению, имеет родословную, которая простирается задолго до эпохи Климта и перешла к современности , Климт был очарователен, и с разными женщинами у него были отношения с ним, он родил около четырнадцати детей - возможно, больше. Он также был большим поклонником женского тела, а эскизы женщин, особенно обнаженных моделей, составляют большую часть его сохранившейся графической работы. Именно здесь Климт исследовал самые эротические части своего мозга, даже больше, чем его картины, которые часто довольно сопоставимы. Этот рисунок, который датируется более поздней частью карьеры Климта, является типичным примером его эротического творчества, Эскиз женщины, откидывающейся и касающейся ее гениталий, просто дает самые простые основы контуров фигуры, с еще меньшей детализацией относительно поверхностей и пространств, окружающих ее. Мы даже не уверены, что большая часть ее туловища покрыта простыней или куском одежды или даже тем, что поверхность находится под ней. Самой подробной частью рисунка, возможно, является область, содержащая ее руки и лобковые волосы. Это, в сочетании с ослаблением остальной части рисунка, которая, в результате, оставляет много для воображения зрителя, чтобы заполнить его - помогает повысить его общий эротизм. Еще один слой неприкосновенности от воображения, возможно, добавлен анонимностью для многих моделей Климта. Как известно, эротизм Климта может быть, его набеги в эту область едва ли уникальны. Сам Климт, как отметил историк искусства Кирк Варнедо, скорее всего, видел несколько раз похожие на Родена женские обнажения, часто в довольно явных позах, датированных концом 1890-х годов и далее. Собственное художественное выражение Климта может побледнеть по сравнению с его учеником Эгоном Шиле, которого Климт представил различным моделям, в то время как первый был под его опекой. Частично это связано с тем, что Климт, особенно после разногласий по картинам в университете, старался быть публично осторожным в своих зарисовках и других мероприятиях студии. Напротив, Шиле был известен во время своей короткой карьеры за его повторные попытки с властями для обнаженных моделей, включая некоторых детей, - которые он использовал, Синий карандаш на бумаге - Коллекция Венского исторического музея Подписаться на The Art StoryПоделиться на Facebook Поделиться на Twitter Email address Подпишитесь, отправив вышеуказанное, вы соглашаетесь с политикой конфиденциальности The Art Story . Как Художественная История на Facebook Как Художественная История на Facebook Густав Климт фото Подробнее о Густаве Климте, включая обзор, ключевые идеи, биографию, полезные ресурсы и смежные темы для Густава Климта Искусство и искусство Портрет Герти Шиле (1909) Портрет Герти Шиле (1909) Исполнитель: Egon Schiele Описание и анализ работ: это один из многих портретов Шиле его младшей сестры, Герти, любимой модели художника во время его ранней карьеры и члена его семьи, с которым он был самым близким. Нарисованный, когда Герти был подростком, этот ранний портрет демонстрирует как сильную стилистическую связь между работой Шиле и Климтом, так и смещение от стиля его наставника. В ее позе и украшении, составленном из серии плоских пятен с золотыми и серебряными акцентами, фигура Герти напоминает работы Климта, такие как Портрет Адели Блох-Бауэр(1907). Но, в отличие от предшественника Климтяна, образ не настолько декоративен, как статичный и мягкий, как будто Шиле бросает свою няню в глину. Кроме того, Шиле заменил богатую мерцающую, золотистую палитру Климта с более приглушенными цветами, создавая изображение, которое кажется иссохшим, что наводит на мысль о распаде, а не о росте. Масло, серебро, золото-бронзовая краска и карандаш на холсте - Музей современного искусства, Нью-Йорк Бар в Фоли-Бержере (1881-82) Бар в Фоли-Бержере (1881-82) Исполнитель: Édouard Manet Описание и анализ работ: Эта меланхоличная сцена для кафе, несомненно, является последним шедевром Мане. Folies-Bergere был популярным кафе-концертом для модной и разнообразной толпы. Оживленная полоса бара отражается в зеркале позади центральной фигуры, печальной девушки-бар. Ее красивые, усталые глаза избегают контакта с зрителем, который также играет двойную роль как клиент в этой сцене. Многое сделано из ошибочной перспективы от отражения в зеркале, но это, очевидно, было частью интереса Мане к искусству и реальности. На мраморной столешнице - изысканная натюрморт, где можно найти бутылки с пивом и ликером, цветы и мандарины, все из которых ожидают натюрморты его последних двух лет жизни. Холст, масло - The Courtauld Institute Galleries, Лондон La Seine à la Grande-Jatte (1888) La Seine à la Grande-Jatte (1888) Исполнитель: Georges Seurat Описание и анализ работ: La Seine à la Grande-Jatte 1888 года показывает, как художник возвращается на сайт своей самой известной картины - «Воскресенье на La Grande Jatte», написанное два года назад. Эта более поздняя композиция демонстрирует постоянный интерес Seurat к форме и перспективам, но показывает гораздо более мягкую и более расслабленную технику, чем La Grande Jatte . Мягкая атмосфера состоит из множества цветных точек, которые оптически смешиваются, чтобы имитировать эффекты светлого летнего дня. Холст, масло - Королевские музеи изящных искусств Бельгии, Брюссель Влияния и Связи приемы..